Provocadores, comprometidos y apasionados, estos cinco pintores norteamericanos han ofrecido un análisis agudo y realista de la sociedad estadounidense.
Hoy te invitamos a descubrir a mujeres y hombres que, años después de su existencia, continúan encarnando a través de sus obras temas que siguen siendo tan relevantes e impactantes como siempre.
Evidentemente, esta lista no exhaustiva es solo una muestra de los talentos actuales y pasados de Estados Unidos, y nuestro equipo estaría encantado de recibir tus recomendaciones para un futuro artículo.
Edward Hopper (1882 – 1967)
Lo menos que se puede decir es que el universo de Edward Hopper no es el más alegre. A menudo descrito como melancólico, voyeurista, solitario, sus obras respiran soledad y transmiten perfectamente la sensación de aburrimiento. Los temas tratados por Hopper son vastos, reflejando a menudo la vida cotidiana de los estadounidenses de su tiempo. Atento a los detalles, el pintor se enfoca en el realismo al representar letreros publicitarios, estaciones de servicio y moteles. Es imposible contemplar sus obras (Nighthawks o Automat, por ejemplo) y sentirse en otro lugar que no sea Estados Unidos.
Su campo de batalla: representar la vida de la clase media, que estaba experimentando cambios significativos durante la primera mitad del siglo XX. La crisis económica de los años 30 o “La Gran Depresión“, la modernización de la sociedad, el atractivo de las grandes ciudades… En su obra, estos momentos parecen congelados en el tiempo.
Norman Rockwell (1894 – 1978)
Amante del dibujo desde su niñez, Rockwell ilustró su primer libro a los 16 años. En 1935, su carrera artística dio un giro estratégico cuando decidió ilustrar dos novelas icónicas de Mark Twain: Tom Sawyer y Huckleberry Finn.
Conocido por su atención al detalle y el realismo de sus dibujos y pinturas, Rockwell comenzó en 1942 una serie de cuatro obras que se convertirían en las más famosas de su carrera. Estas pinturas, llamadas “The Four Freedoms” (las cuatro libertades), visualizan el discurso del entonces presidente Franklin Roosevelt, representando la libertad de expresión, la libertad de culto, la libertad de vivir sin penurias y la libertad de vivir sin miedo. En total, ilustró más de 100 portadas para la revista Saturday Evening Post, incluyendo su famoso y caprichoso Triple Self-Portrait en 1960.
Gracias a su fama, el pintor comenzó a trabajar para la revista Look en 1964 y creó sus obras más comprometidas políticamente, incluyendo “The Problem We All Live With (el problema con el que todos vivimos). Creada durante el período de segregación, esta ilustración muestra a Ruby Bridges, una niña negra que asiste a una escuela en Nueva Orleans exclusivamente para niños blancos. Las pinturas de Rockwell encarnan perfectamente su época, y su obra sigue asociada a los principales acontecimientos que presenció (el movimiento por los derechos civiles, la Gran Depresión, la Segunda Guerra Mundial, etc.).
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Niki de Saint Phalle (1930 – 2002)
Espíritu libre y artista autodidacta, Niki de Saint Phalle provenía de la alta sociedad franco-estadounidense. Internada en un hospital psiquiátrico a los 23 años, descubrió el arte y comenzó a pintar en 1952. Educada en un contexto antirracista, dedicó una serie de esculturas llamadas Black Heroes (heroes negros) a personalidades negras insuficientemente reconocidas.
La impresionante obra, conocida como Nanas, de Saint Phalle le permitió celebrar a las mujeres y su “grandiosa locura”, pero también distanciarse del mundo del mercado del arte y abordar la dificultad que tiene una mujer para hacerse valer en un mundo dominado por los hombres. A veces interpretadas como ligeras y alegres, sus esculturas y pinturas transmiten su propia violencia interna y la violencia que la rodeaba. Sus obras realizadas con disparos de pintura (Tirs) la impulsaron al estatus de artista internacional en 1961. Esta serie de pinturas permitió a la artista expresar su revuelta contra la sociedad de la época (la Guerra de Argelia, Hiroshima…).
Comprometida en la lucha contra el SIDA, Niki de Saint Phalle coeditó un libro titulado AIDS is Easy to Avoid (es fácil evitar el SIDA) en 1987. Las ganancias de la venta de 70,000 copias se donaron directamente a la asociación contra el SIDA.
Keith Haring (1958 – 1990)
Sabemos que ya has visto los icónicos personajes creados por Keith Haring, pero ¿conoces realmente la historia de este artista? Criado en una familia estricta y conservadora, el joven Keith desarrolló una pasión por el dibujo a una edad temprana. Inspirado por la cultura alternativa de los años 80, se dio cuenta en Nueva York de que el arte podía crearse fuera de las galerías y museos. Calles, estaciones de metro, almacenes, baños de bares gay, nada detenía la creatividad del joven, lo que resultó en varias detenciones por vandalismo.
Con un firme compromiso, no dudó en denunciar el racismo, el apartheid, la homofobia, la violencia policial y la energía nuclear en sus obras. En respuesta a la epidemia de drogas que azotaba Nueva York, creó el mural no autorizado Crack is Wack en 1986, un mural que más tarde sería protegido e incluso restaurado en 2007. El artista se enteró en 1988 de que era VIH positivo y dedicó los últimos años de su vida a esta causa, haciéndola más visible para el público. Estableció su fundación un año después y murió a los 31 años en 1990.
Jean-Michel Basquiat (1960 – 1988)
Niño precoz de la burguesía de Brooklyn, Jean-Michel Basquiat comenzó a hacer grafitis cerca de las galerías de arte de Manhattan en 1976 con mensajes misteriosos, provocadores y sarcásticos bajo el seudónimo SAMO (Same Old Shit).
Describiendo su arte como una mezcla de “80 % ira y 20 % misterio”, rápidamente dedicó su energía a crear obras únicas y poderosas, denunciando el racismo y las desigualdades sufridas por los negros en Estados Unidos. Defendiendo con orgullo su identidad criolla, destacó en sus pinturas y grafitis a figuras icónicas negras como Muhammad Ali, Sugar Ray Robinson o Malcolm X.
El joven artista murió en el apogeo de su gloria a los 27 años, dejando una marca imborrable en el arte contemporáneo con el poder de sus aproximadamente 800 pinturas (creadas en solo 7 años), con temáticas que tristemente siguen siendo relevantes hoy en día.
Bonus: Andy Warhol (1928 – 1987)
¿Cómo podríamos concluir esta lista sin mencionar al “rey del Pop Art”? Inspirado por la vida cotidiana, Andy Warhol comenzó su primera serie de serigrafías sobre estrellas estadounidenses con el famoso retrato de Marilyn Monroe en 1962 y Elvis Presley el mismo año. Testigo de la posguerra y de una sociedad de consumismo desenfrenado, lanzó una mirada no crítica, sino curiosa e inquisitiva sobre la sociedad de consumo y el papel del objeto en el arte. A Warhol le gustaba destacar la vida cotidiana material de los estadounidenses, como las sopas Campbell’s, las cajas Brillo y las botellas verdes de Coca-Cola. La repetición de modelos simboliza los estantes de los supermercados.
En 1967, creó Death and Disasters y firmó Big Electric Chair. En el contexto de la controversia en torno al tema de la pena de muerte en Estados Unidos, Warhol eligió representar sillas eléctricas de manera frontal, cruda y simple, reforzando su impacto. El uso del color rojo no deja de evocar cierta violencia que conmociona al espectador.
Aprender un idioma no se limita al vocabulario y a las reglas gramaticales. La comprensión cultural es una gran parte de tu recorrido de aprendizaje. Para cada uno de nuestros idiomas (inglés, francés, español, etc.), seguirás las vidas de personajes peculiares mientras navegan por escenarios extravagantes, a la vez ahondando en su cultura con tradiciones, vida social y profesional, delicias culinarias, cine, música, acentos y más.
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